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> DOLOR Y GLORIA

 

“Dolor y Gloria” narra una serie de reencuentros, algunos físicos y otros recordados después de décadas, de un director de cine en su ocaso. Primeros amores, segundos amores, la madre, la mortalidad, algún actor con el que el director trabajó, los sesenta, los ochenta y la actualidad. Y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando. También habla del teatro como elemento que dinamita/dinamiza el pasado y lo arrastra hasta el presente. Habla de la creación, cinematográfica y teatral, y de la imposibilidad de separar la creación de la propia vida.
 
Al contrario que “Julieta”, “Dolor y Gloria” será una película con protagonistas varones (Antonio Banderas y Asier Etxeandía), donde también recupero a dos actrices que adoro, Penélope Cruz y Julieta Serrano, en personajes secundarios esenciales.
 
El inicio del rodaje está previsto para la primera mitad de julio, este verano.

 
Pedro Almodóvar.

> “BODEGONES ALMODÓVAR” EN LA FRESH GALLERY

  

“Huyendo del tedio de la última semana santa cogí un vaso de cristal, puse dentro una flor y le hice una foto, y el tedio cedió ante una inesperada emoción.
 
Estaba en mi cocina, admiré la luz que entraba por la ventana y la sólida y oscura carpintería de madera, la textura de la pintura al temple de la pared y el corian blanco de la encimera como si fuera la primera vez que los veía. Paralizado, fascinado. Y la ansiedad que me corroe en esas fechas dio paso a un auténtico frenesí doméstico. Pensé en Antonio López y sus amigos pintores del hiperrealismo madrileño de los años 50 y durante los meses siguientes me dediqué con la misma urgencia del primer día a probar objetos, frutas, floreros sobre la encimera de la cocina. Una especie de autobiografía a través de bodegones compuestos por los mil objetos con los que convivo, incluyendo algunos cuadros que dialogaban en perfecta sintonía con flores, frutas y verduras.
 
No utilicé nunca trípode, actuaba a salto de mata y con verdadero desenfreno. No sé si este frenesí era debido a la inspiración o a mi innata ansiedad. De todos modos, aquí está el resultado”.

 
Pedro Almodóvar
 

La exposición fotográfica “Bodegones Almodóvar” podrá verse en la Fresh Gallery a partir del próximo 21 de septiembre. El artista destinará el total de su recaudación a la Fundación Mensajeros de la Paz.

 

BODEGONES ALMODÓVAR de Pedro Almodóvar from Enzo Monzón on Vimeo.

> “ZAMA” DE LUCRECIA MARTEL SELECCIONADA EN VENECIA, TORONTO Y NUEVA YORK

  

“Zama”, la nueva película de la directora y guionista argentina Lucrecia Martel, comienza este mes su recorrido internacional con su participación en la Sección Oficial, fuera de concurso, del Festival Internacional de Cine de Venecia, escenario en el que tendrá lugar la premiere mundial de la película el próximo 31 de agosto. Tras su paso por La Bienale, la película competirá en el 42º Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF). Finalmente, “Zama” se proyectará en la sección oficial de la 65º edición del prestigioso Festival Internacional de Cine de Nueva York.

 

Basada en la novela homónima de Antonio Di Benedetto, “Zama” sigue la historia de Don Diego de Zama, un funcionario de la Corona Española que espera un permiso de traslado a Buenos Aires desde la ciudad de Asunción en el siglo XVII. Desesperado por la interminable espera, decide emprender la misión de atrapar a un peligroso bandido con el fin de recuperar el prestigio de su nombre y hacer méritos frente a la Corona.

 

La película, protagonizada por el actor mexicano Daniel Giménez Cacho y la actriz española Lola Dueñas, producida por Rei Cine (Argentina) y Bananeira Films (Brasil), y co-producida por un gran número de productoras de varios países como El Deseo (España), MPM Films (Francia), Patagonik Film Group (Argentina), Louverture Films (Estados Unidos), Canana (México), Lemming Films (Holanda), O Som e a Fúria (Portugal), KNM (Suiza) y Picnic Producciones (Argentina), se estrenará en Argentina en salas comerciales el próximo 28 de septiembre.

> CARTA BLANCA

 
 

Para mí el cine, ver películas, hablar de ellas, soñar con verlas, escribir sobre ellas, escribirlas, coleccionarlas, buscarlas por almacenes, tiendas especializadas, plataformas digitales, recordarlas, que formen parte de mi vida, que se cuelen en mis guiones como algo real, etc. es la experiencia más importante de mi vida, y la que más está durando.
 
Mi existencia, desde muy temprano, ha girado alrededor de ver películas, escribirlas y rodarlas. Más de una vez las películas de otros se han colado en mis guiones dinamizando la trama y explicando a los personajes. ¿Cine dentro del cine? Solo a veces, en Átame! la mayor parte de la trama ocurre durante un rodaje. En La mala educación la historia contada por mí se mezcla con la que cuenta otro director, en la ficción, formando entre ambas las dos caras de la misma moneda. Rodajes, doblajes, salas de montaje, rodillos, manivelas, bobinas, proyectores, micros, la parafernalia analógica o digital, actrices, actores, escritores, aparecen con frecuencia en mis historias. Las salas donde se proyectan las películas. Personajes que le cuentan a otros la película que les haya emocionado, que se explican a sí mismos a través de una película que han visto. Las salas de cine como refugio de asesinos, o lugares en los que los personajes contemplan su propio final y donde siempre hay imágenes premonitorias, imágenes que reflejan directamente al espectador que las ve.
 
La carta blanca que, con ocasión de la retrospectiva sobre mi trabajo, proyecta también la filmoteca, la componen veinte películas que no necesariamente son las veinte mejores películas de la historia del cine, pero todas guardan una relación íntima o tangencial con las veinte películas que componen mi filmografía.
 
1. A veces la relación es subliminal. En Átame!, Máximo Espejo (el personaje que interpreta Paco Rabal) tiene en una de las paredes de la sala de montaje un cartel de La invasión de los ladrones de cuerpos, la segunda versión, dirigida por Don Siegel. Admiro al director, y adoro el cine fantástico americano de la época de la guerra fría. Cine político y de propaganda donde el mensaje, siempre reaccionario, (invasiones que vienen del exterior, metáfora evidente del comunismo y los rusos) se solapaba con una de las sensaciones más maravillosas que el cine puede provocar: el miedo. A este mismo período pertenece El increíble hombre menguante (Jack Arnold) que me inspiró El amante menguante. Los años cincuenta son mi época favorita del cine de terror fantástico, aquellas películas americanas en blanco y negro, con pocos o ningún efecto especial. Esta es la razón de la presencia del póster de la película de Siegel en Átame!. Bueno, y también que considero que “los ultracuerpos”, esas bayas que fagocitaban el cuerpo de los personajes, convirtiéndose en sus réplicas físicas, cuerpos sin alma, son una metáfora del modo en que las sustancias opiáceas se apoderan del cuerpo de los adictos hasta poseernos por entero. Viene a colación porque Marina, el personaje de Victoria Abril, entre otros conflictos, es adicta a la heroína.

 

Además de El increíble hombre menguante he elegido Amanecer de Murnau en referencia a Hable con ella, porque de todas las películas mudas que vi en el período del montaje, buscando un diseño de letra para los títulos de El amante menguante, me decidí por la letra de los títulos de Amanecer que parecen escritos a mano. En realidad quería homenajear de algún modo a la película y al autor. Amanecer sigue siendo una película tan sorprendente y moderna como hace un siglo.

 

Con El amante menguante añado (incrustar sería lo más correcto) la narración paralela de otra película que dura 9 minutos, como tapadera de lo que en Hable con ella debía mostrar pero no quería hacerlo directamente. El psicópata de corazón tierno que borda Javier Cámara, Benigno, se enamora de la mujer en coma que cuida día y noche en el hospital. Una de esas noches en que llega a maquillar a la bella durmiente la viola. Desde la escritura yo empatizaba con Benigno y no quería mostrarle en una secuencia tan horrible, tampoco quería que el público la viera, pero como narrador debía narrarla para que el espectador entendiera qué ocurría aquella noche en la habitación de la chica en coma. Entonces se me ocurrió que Benigno le contara (y que el espectador viera) la historia de El amante menguante, a través de esta narración supletoria el espectador entendería que Benigno ha penetrado en el cuerpo de Alicia. El cine me sirvió en este caso de tapadera para ocultar una historia que a la vez debe entenderse a través de su tapadera.

 

2. Todo sobre mi madre habla de actrices, en la vida real y en el escenario, y Eva al desnudo es el epítome de película con actrices de protagonistas. La referencia al film de J. L. Mankiewicz es clara desde el inicio. Cecilia Roth y Eloy Azorín, madre e hijo, están viendo en televisión la emisión de la versión doblada al español de Eva al desnudo. La escena transcurre en el camerino de Margo y sirve de presentación a la admiradora depredadora que resulta ser la Eva del título. Todo sobre mi madre transcurre mayormente en un teatro, en el escenario, los camerinos, los pasillos, el patio de butacas y la salida de artistas donde la película de Mankiewicz cede su referencia a Noche de estreno de John Cassavetes. Una noche de lluvia, Eloy y Cecilia sufren el trágico accidente que en la película de Cassavetes se lleva la vida de una fan desesperada por conseguir el autógrafo de Gena Rowlands. En Todo sobre mi madre el fan es Eloy y la diva Marisa Paredes, que interpreta a Huma Rojo, cuyo nombre y adicción al tabaco vienen de su admiración por Bette Davis, círculos concéntricos. Mi película es un homenaje a todos ellos y a Romy Schneider, la referencia que le puse a Cecilia Roth para su interpretación de madre dolorosa, la Romy Schneider de Lo importante es amar (Andrzej Zulawski).
 
Noche de estreno, además de contar el camino a la locura de su actriz, contiene uno de los más impresionantes retratos de un director de teatro (pero en el cine somos iguales) amante, amigo, y cruel espejo de la actriz en su personal bajada a los infiernos.
 3. Sonata de otoño (Ingmar Bergman) e Imitación a la vida (Douglas Sirk) conviven en Tacones lejanos. La película de Douglas Sirk, de quien he escogido Escrito sobre el viento para la Carta Blanca, marca el momento culminante del melodrama americano en lujoso technicolor. Tacones lejanos se identifica con el género y con el estilo al que yo trato de añadirle humor del negro. Lana Turner incorporó su cabellera rubia lacada y alguno de los problemas con su hija en la vida real al melodrama de Sirk. Marisa Paredes evoca el peinado de Lana Turner y mezcla su espectacular decadencia con la distancia entre la madre diva (Ingrid Bergman) y la hija insignificante (Liv Ullmann) en Sonata de otoño. Además, la película de Bergman ilustra lo que enunciaba al principio: el cine ayuda a los personajes a explicarse y a desvelar sus secretos, porque la ficción es la que mejor les representa. Victoria Abril, hija atormentada, diminuta y asesina por amor a su madre, Marisa Paredes, se encuentra con ella en la sala de un juzgado madrileño. La relación entre las dos no puede ser peor; para explicarle a la madre que mató dos veces por ella, Victoria le cuenta una escena de Sonata de otoño. La escena en que la madre le aconseja a su hija cómo interpretar una sonata de Chopin.
 
4. Perdición (Billy Wilder), Esa mujer (Mario Camus) y Teresa Raquin (Marcel Carné) están dentro de La mala educación. La mala educación se adscribe al género noir, género al que pertenecen Perdición y Teresa Raquin. Como en ellas, en mi película un personaje se convierte en asesino porque ama locamente a otro. Me gusta pensar que las salas de cine son refugio de asesinos y solitarios, también creo que las películas tienen algo premonitorio y reflejan el futuro de los protagonistas. En La mala educación los personajes del Señor Berenguer (Lluis Homar) y Juan (Gael García Bernal) entran en un cine para matar el tiempo, después de que el Señor Berenguer liquidara al hermano de Juan con una dosis de heroína de una pureza asesina. Casualmente, recalan en una sala que programa una semana de Cine Negro, donde proyectan Perdición y Teresa Raquin. Las dos películas entrañan situaciones parecidas a las de mi película, o al contrario. Al salir, el Señor Berenguer se queja desolado: Es como si todas las películas hablaran de nosotros. Esta intensa sensación de reflejo y premonición empuja también a los protagonistas de Matador a meterse en el antiguo Cine Urquijo y contemplar lo que será su propio final en Duelo al sol de King Vidor.
 La mala educación gira alrededor de varias visitas, en la pantalla de un cine dos niños entran a ver Esa mujer de Sara Montiel. En la pantalla también se ve una visita. Sara, vestida de malva, llama a la puerta de un apartado convento, sale a abrirle la madre superiora. La monja no reconoce a aquella mujer tan maquillada y vestida con trasparencias color malva movidas por el viento. Sara deletrea una de sus mejores frases: “¿Tanto me ha cambiado el mundo, Madre Superiora? Los dos niños se convertirán en amantes y nunca olvidarán que se masturbaron mutuamente viendo una película de Sara Montiel, indiscutible icono gay de muchas generaciones.

 

5. Carne trémula: Ensayo de un crimen (Luis Buñuel). La película de Buñuel aparece en la televisión al principio de Carne trémula. Muchos elementos relacionan mi película con la obra maestra de Buñuel, los celos, el azar, el fuego, las piernas, la culpa. Al principio de Ensayo de un crimen una bala perdida rompe el cristal de la ventana y mata a la nany del niño Archibaldo de la Cruz, el niño contempla arrebatado los muslos y las piernas de la nany, enfundadas en medias de cristal, herida de muerte en el suelo. Buñuel adoraba hasta el fetichismo las piernas y los pies femeninos. En otra escena, un Archibaldo adulto arrastra por el suelo un maniquí femenino, al rozar un escalón al maniquí se le desprende una pierna. En Carne trémula un disparo involuntario alcanza al personaje del policía David, interpretado por Javier Bardem, dejándolo parapléjico. Las piernas inútiles de David simbolizan su genitalidad perdida. Cuando Elena, su mujer, hace el amor con el hombre que le disparó por azar (Víctor) se abraza a sus piernas y estrecha contra sus mejillas los tobillos de Víctor, en clara alusión a la ausencia de pies y piernas masculinas en su matrimonio.
 
Aunque cite Ensayo de un crimen como referencia expresa de Carne Trémula, Luis Buñuel es una referencia constante en mi filmografía , como Billy Wilder, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Fellini, Berlanga… y hay varias películas que de modo consciente o inconsciente impregnan toda mi obra. Vértigo, Ocho y medio, Los sobornados, El ángel exterminador, Frankenstein, Eva al desnudo, La tía Tula, El Sur, El extraño viaje… a esta categoría pertenece El fotógrafo del pánico de Michael Powell.
 Peeping Tom (El fotógrafo del pánico) aparece citada en varias películas, en forma de póster, o directamente en el personaje del marido de Kika. Si el protagonista de El fotógrafo del pánico filmaba el rostro de las mujeres en su grito final, en el instante de ser asesinadas, el marido de Kika está obsesionado en fotografiar la imagen del placer, el rostro de sus parejas en el momento del clímax. Voyeurismo. Incluso Andrea Caracortada, la reportera sin escrúpulos capaz de matar o morir por una imagen impactante para su programa “Lo peor del día” tiene algo de El fotógrafo del pánico. La película de Michael Powell comienza con un primer plano de un ojo. Del mismo modo empieza también Los abrazos rotos. Toda película que narre la historia del voyeur tiene relación con la naturaleza del cine y del espectador. Pero hay dos voyeurs que forman parte de la Historia del cine, James Stewart en La ventana indiscreta (también homenajeada en Mujeres al borde de un ataque de nervios) y el de Michael Powell, ejemplo paradigmático de la capacidad depredadora del cine. En Arrebato de Iván Zulueta la cámara se zampaba a Eusebio Poncela, y él tan contento.
 
Para Rossellini la realidad era el único tema que debía ser filmado, el único que debía inspirar películas. Para mí, el cine, las películas están tan llenas de vida como la propia vida, entiendo el cine como representación de la realidad, el cine la refleja y la representa, pero también refleja, inspira y se representa a sí mismo. Esta es la razón por la que también incluyo Johnny Guitar (Nicholas Ray) por Mujeres al borde de un ataque de nervios, El merodeador (Joseph Losey) por Kika, Mujeres (George Cukor) también por Mujeres al borde de un ataque de nervios, Los ojos sin rostro (Georges Franju) por La piel que habito, El ángel exterminador (Luis Buñuel) por Los Amantes Pasajeros y Con la muerte en los talones (Alfred Hitchcock) por Julieta.

 
Pedro Almodóvar.

> MARZO TODO ALMODÓVAR

 

LA RETROSPECTIVA “MARZO TODO ALMODÓVAR” PROYECTARÁ LOS 20 LARGOMETRAJES DEL DIRECTOR EN FILMOTECA ESPAÑOLA.
 
• La proyección de La ley del deseo inaugura la retrospectiva el próximo 3 de marzo con la presencia del director
• El cineasta escoge títulos de Buñuel, Rossellini, Hitchcock y Bergman para dialogar con su obra
 

El próximo 3 de marzo comienza, con la proyección en el Cine Doré de la cinta La ley del deseo, la retrospectiva de la obra del director Pedro Almodóvar que lleva por título ‘Marzo Todo Almodóvar’. La inauguración del ciclo, que contará con la presencia del director manchego, dará el pistoletazo de salida a las proyecciones, en dos pases, de los veinte largometrajes del autor de Volver, película que pondrá final a la retrospectiva el 31 de marzo.
 
La programación se completa con una veintena de títulos, escogidos por Almodóvar, que entran en diálogo con su obra, pues todos ellos han sido fuente de inspiración para su trabajo. Entre los cineastas seleccionados se encuentran dos españoles – Luis Buñuel, con El ángel exterminador (1962), y Mario Camus, con Esa mujer (1969)-, y múltiples obras clásicas como Perdición (1944, Billy Wilder), Te querré siempre (1954, Roberto Rossellini), Johnny Guitar (1954, Nicholas Ray), La invasión de los ladrones de cuerpos (1956, Don Siegel), Con la muerte en los talones (1959, Alfred Hitchcock), El fotógrafo del pánico (1960, Michael Powell), Los ojos sin rostro (1960, Georges Franju), Noche de estreno (1977, John Cassavetes) o Sonata de otoño (1978, Ingmar Bergman).
 
El Deseo ha elaborado un vídeo (www.youtube.com/eldeseopc) en torno al ciclo que se incluirá como cabecera de todas las proyecciones en el Doré durante parte de febrero y el mes de marzo. Gracias a la retrospectiva completa del director manchego que ha programado Filmoteca Española podrán verse las recientes restauraciones digitales que la empresa Deluxe ha realizado durante los últimos años de la gran mayoría de los títulos del director, concretamente de 17 sobre los 20 totales.
 
El pasado mes de noviembre la productora El Deseo y Filmoteca Española, a través de su Centro de Conservación y Restauración (CCR), acordaron el depósito completo de todos los materiales que se guardaban en laboratorios españoles. El depósito abarca las películas producidas por El Deseo, tanto las dirigidas por Pedro Almodóvar como por otros directores, a lo largo de los últimos treinta años.

 

> PRIMER TEASER DE JULIETA

 

 

Primer teaser oficial de “Julieta”, el nuevo film de Pedro Almodóvar.
Estreno en salas españolas el 8 de abril.

> FELICITACIÓN 2016

 
Intervienen en la felicitación, de izquierda a derecha: Rossy de Palma, Emma Suárez, Adriana Ugarte, Inma Cuesta (La Novia) y Michelle Jenner.

> JULIETA

 

Hemos decidido cambiar el título de la película que en estos momentos se halla en postproducción y de la que Alberto Iglesias está terminando de componer la banda sonora. En vez de Silencio se llamará “Julieta”.

 

Cuando empezamos la preproducción me enteré que Martin Scorsese iba a rodar una película con el mismo título, entonces no le di importancia porque pensaba imponer en todos los mercados el título en español que suena bastante distinto de “Silence”. Scorsese y yo hemos terminado nuestros respectivos rodajes y ya podemos saber que coincidiremos en las pantallas del mundo el próximo año, por la misma época. Además se publicará de nuevo la novela en la que la película está basada, “Silencio” de Shûsaku Endô. La novela cuenta las peripecias de unos misioneros jesuitas en el Japón feudal del siglo XVII. Considero demasiados silencios en la misma época y prefiero evitar equívocos futuros.

 

Comprendo que esta noticia carece totalmente de importancia en días tan negros como los que vivimos. El terrorismo más brutal ha explotado en pleno corazón de París. París somos todos, su corazón y sus lágrimas son los nuestros. Los trabajadores de El Deseo estamos de luto desde el pasado viernes 13, nos solidarizamos con las familias de las víctimas y con los millones de personas que aman París. Hay pocas palabras que realmente signifiquen algo frente a tanto dolor, al menos a mí no se me ocurren.

 
Pedro Almodóvar
17 de noviembre 2015

>  Exposición VIDA DETENIDA
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